one child nation
Críticas

ONE CHILD NATION (2019): China y la política de un sólo hijo

La política de control de natalidad implementada por China en los años 70 marcó su destino. Tiene que ser uno de los experimentos sociales más atrevidos en la historia de la humanidad. El documental One Child Nation aborda, desde el punto de vista de una víctima, la norma fijada por el gobierno chino en los 70 y que estuvo vigente hasta 2016, que limitaba a las parejas a tener un solo hijo. El filme de Nanfu Wang y Jialing Zhang comienza como una búsqueda personal y se adentra inevitablemente en la realidad de millones de personas. Lo que parecía ser la panacea para todos los problemas se ha convertido en el yugo que amenaza a una nación.

El lenguaje es simple y directo, la cámara marca el paso y las historias se encargan de engrandecer el discurso que van cosiendo los realizadores. En ocasiones hace falta una mirada privada para poner en perspectiva un problema general. Aquí lo que se ventila son repercusiones emocionales que cuando nacieron nos estaban vestidas de maldad, el proceder era sistemático y se instaló en la cabeza de todos con una precisión quirúrgica.

REBUSCANDO EL PASADO

En el momento en que Nanfu nos enseña un fragmento de su pasado y revela su motivo para embarcarse en el viaje que representa One Child Nation, la empatía es instantánea. Como siempre esas visitas al pasado en ocasiones traen más que nostalgia. No pasa mucho tiempo cuando esas viejas heridas comienzan a sangrar y duelen como si se acabaran de infligir. Es un buen punto de referencia el que establecen los directores pues el espectador puede ir a la fuente, a los que sufrieron en carne viva un programa que cambió el mundo de millones de personas.

one clid nation
Nanfu Wang (Google Images)

Como en un escenario orwelliano vemos los resultados de la propaganda. Todo el engranaje funcionando con la precisión de un reloj suizo y el objetivo siendo adoctrinado para responder a las órdenes de su patrón. Mientras más de cerca miramos la realidad más difícil resulta de digerir. Igual de impresionante es escuchar a los ejecutores sin un ápice de remordimiento por sus acciones, solo una excepción nos encontramos, el contraste dentro del sin sentido. Una mujer procura con afán redimir su pasado y lo hace impulsando vida.

Es lógico pensar que las víctimas de este macabro experimento son las vidas que se cercenaron antes de tener la primera bocanada de aire o las que perecieron como daños colaterales del propio programa. Pero el daño se extiende como un cáncer que abarca todo, las réplicas se prolongan por generaciones. Cuando Nanfu confronta a su familia esto se hace evidente y es el momento donde el documental alcanza su clímax.

One Child Nation es un documental revelador, inquietante y perturbador. Por instantes desalentador pero con destellos de luz y esperanza que nos invitan a prevalecer.

8/10

dossier de ausencias
Fuera de Foco

Crítica a Dossier de Ausencias (2020)

Por: Luis G. Jansen

En una sala de confraternidad, en el marco del Festival Internacional de Cine Global (FUNGLODE), se presentó por primera vez al público la Película Dossier de Ausencias. Una película dirigida por Rolando Díaz, director y guionista cubano, producida por Alfonso Quiñones y protagonizada por Judith Rodriguez.

La película es un docudrama, en el que se dramatiza un hecho o situación real, mezclándolo con el cine documental. Y aun cuando el documental es el género de mayor factura en relación a la calidad aportada al cine dominicano, el docudrama ha sido poco explorado en nuestro cine, por tanto, es una bocanada de aire fresco para nuestro cine.

Dossier de Ausencias es una búsqueda realizada por el personaje de Elaine Perez, interpretada por Judith Rodríguez, a quien he descrito en distintas ocasiones como la mejor actriz del cine dominicano en la actualidad. Judith ha preparado el personaje de Elaine de manera que transmita un aura de sobriedad y paciencia, que la divorcia de sus trabajos anteriores, donde sus personajes habían sido más extrovertidos y afianza su capacidad camaleónica.

El personaje de Elaine es una versión libre, un alter ego, del productor de la película, el periodista y ahora productor de cine, Alfonso Quiñones. Es la representación ficticia del trabajo investigativo realizado por Quinones sobre el fenómeno de las adopciones en Jarabacoa, la municipalidad montañosa del norte del país. Por esto que los críticos dominicanos Dahiana Acosta, Felix Manuel Lora y un servidor, hemos preferido denominar a Elaine como “Alfonsina”.

Dossier de ausencias
Escena de Dossier de Ausencias

En el filme se establece muy rápidamente que Elaine (Alfonsina) está atrapada. Esto es representado de manera metafórica en su relación con la ciudad, con la urbe. Elaine se define como una hormiguita, y así la vemos en la pantalla, reducida en su pequeño carro entre la inmensidad ruidosa. Ella se encuentra viajando durante toda la película, pero su viaje no es a Jarabacoa, la provincia norteña del país; es un recorrido mucho más íntimo.

Elaine procura aislarse de sí misma, de sus demonios, y se refugia en su trabajo. Y es su trabajo que le permite, de hecho, le obliga a realizar su travesía y desconectarse. Jarabacoa desdobla a Elaine (Alfonsina). La aleja del agobio de la ciudad, la desmonta de su vehículo, de su vida, y la transporta en la moto de una aliada en su investigación.

Esta aliada es Maile, que representa su vehículo y su conexión con su mundo en Jarabacoa. Elaine cruza el portal de Maile, lo que la conduce a su búsqueda por su Santo Grial, Moraima, su objeto del deseo, que, como todo objeto de deseo, termina en decepción.

Respondiendo al esoterismo del docudrama, se toma la decisión de utilizar a los entrevistados para interpretarse a sí mismo, y en muchos casos, exceptuando a Moraima, se delatan en la pantalla. Esto, junto a una edición que en ratos irrespeta su propio tempo, y la intervención incisiva del personaje principal que interrumpe la capitalización del dolor, pueden llegar a distraer a los espectadores más exigentes. Los silencios también son cine.

Elaine considera que ha fracasado en su viaje. Ha entendido que algunas cosas no se pueden cambiar, porque como escribió Bukowski: “No hay nada peor que demasiado tarde”. Y Al final, el agua limpia todo, cierra un episodio. Regresa a la ciudad que la asedia, regresa a su vida, vencida; los camiones siguen ahí, venciéndola.

“Te vas Alfonsina

Con tu soledad,

¿Qué poemas nuevos

Fuiste a buscar?

Una voz antigua

De viento y de sal

Te requiebra el alma

Y la está llevando

Y te vas hacia allá”

Birds of Prey
Críticas

BIRDS OF PREY (2020): Y la fantabulosa emancipación de una Harley Quinn

La primera vez que vimos a Margot Robbie como la estrafalaria Harley Quinn fue en Suicide Squad (2016). De esa destartalada obra podemos rescatar su personaje, esa Harley Quinn demostró ser una verdadera fuerza de la naturaleza. Podíamos adivinar en aquel entonces que no sería la última vez que la gran pantalla iba a tener que lidiar con la Robbie haciendo las veces de la volátil y peligrosa Quinn. Fácil la tendrían los estudios en una época donde el universo de los cómics se ha convertido en el campo predilecto para cosechar guiones. De esas aventuras cargadas de adrenalina salen, como si se trata de carros en una línea de producción, los productos que procuran llenar las butacas de los cines de todo el mundo. El espécimen más reciente, Birds of Prey: Y la fantabulosa emancipación de una Harley Quinn.

DC Comics es la casa dueña de los personajes de Birds of Prey. Desde 1996 la reconocida firma ha producido para múltiples plataformas las historias de este grupo de mujeres que hacen las veces de súper heroínas. La verdad es que por su concepción y trasfondo estos personajes podrían alinearse mas con los mercenarios o los justicieros. En fin, un grupo de sólo mujeres que se asocian para combatir a escorias peores que ellas y en cierta forma terminan por hacer un bien que va por encima de sus intereses particulares. Si todo esto suena familiar es porque en realidad lo es, demasiado. Y como en los patios de Hollywood nada se da por casualidad, el filme llega justo en el momento donde el me too y demás familiares se roban todos los titulares.

LA ENMACIPACIÓN DE HARLEY QUINN

En su forma más básica Birds of Prey es una película sobre una mujer que busca salir de la sombra de un hombre. Nada más y nada menos que el Joker es ese hombre que ha roto el corazón de Harley Quinn (Margot Robbie) y la ha dejado hecha añicos. En su gesta independentista tendrá que enfrentar los actos de un pasado turbulento que vienen para accidentar sus planes. El guión de Christina Hodson (Bumblebee) juega con las líneas de tiempo y nos deja a Harley Quinn como nuestra narradora. La historia se cuenta a su antojo y desde su poco fiable punto de vista, es así como de manera constante la historia se interrumpe para movernos a detalles que buscan dar contexto a lo que sucede en un instante determinado. Lo convencional marca el ritmo, el personaje despreciable que con un acto de bondad suprema pretende ganarse el favor del público.

Birds of Prey
Birds of Prey (Google Images)

Cathy Yan es la encargada de turno y le corresponde ocupar la silla de director. Desde ahí compone un filme ultraviolento como un ritmo rápido y que apuesta todo a la forma sin importar el fondo. Las elaboradas secuencias de acción, las peleas en cámara lenta y los escenarios cargados de colores vibrantes y tonos saturados hacen el ruido necesario para que el espectador distraiga la mirada por casi dos horas e ignore los absurdos que presenta Birds of Prey. En este subgénero los protagonistas solo pueden ser tan buenos como sus antagonistas se lo permitan. Roman Sionis (Ewan McGregor) es el villano que asedia a nuestras heroínas, su caracterización no alcanza los niveles necesarios y se desinfla a medio camino.

LAS BIRDS OF PREY

En momentos donde todas las películas de este género suelen sobrepasar las dos horas, la presente logra mantener el metraje por debajo de esta marca y esto en cierto sentido ayuda a que resulte más digerible. Fuera del personaje de Harley Quinn es difícil conectar con los secundarios debido a su superficialidad. Black Canary (Jurnee Smollett-Bell), The Huntress (Mary Elizabeth Winstead) y la detective Renee Montoya (Rosie Perez) apenas tienen minutos donde realmente pueden lucirse, pero al final son solo fichas que se mueven para dar esplendor a la infame Quinn.

Puede que su desempeño en la taquilla sea realmente bueno pero el futuro de una franquicia apoyada en estos personajes parece incierto.

5/10

Ganadores
Cine Dominicano

ADOPRESCI Realiza la 1ra Entrega de los Premios de la Crítica

Santo Domingo. La noche del miércoles 5 de febrero se realizó exitosamente la 1ra. Entrega de los Premios de la Crítica, donde la Asociación de Prensa y Crítica Cinematográfica, ADOPRESCI, reconoció a las producciones cinematográficas más destacadas y de mayor calidad del 2019. Con un ambiente minimalista, la premiación se efectuó el miércoles 5 de febrero en el Hodelpa Casa Real de la Ciudad Colonial, bajo la conducción de la comunicadora Tita Hasbún.

Durante el evento se hizo un reconocimiento póstumo a los críticos de cine Arturo Rodríguez Fernández y Armando Almánzar Rodríguez, por su labor estableciendo las normas éticas y profesionales en la crítica cinematográfica. Recibieron placas de reconocimiento en sus nombres, la Sra. Cavadonga Rodríguez, hermana de Arturo, y la Sra. Patricia García, viuda de Armando. Mediante este homenaje, ADOPRESCI rindió tributo a quienes dejaron su impronta mediante sus obras y publicaciones en medios escritos, radiales y televisivos.

Esta edición de los Premios de la Crítica, forma parte de la Quincena del Cine, con el apoyo de la Dirección General de Cine, la que culmina el 3er. Congreso Nacional de Cine.

Listado de ganadores

Mejor Película de Largometraje Ficción

  1. Miriam miente (ganadora)
  2. El proyeccionista
  3. En tu piel

Mejor Dirección

  1. Natalia Cabral y Oriol Estrada, “Miriam miente” (Ganadores)
  2. José María Cabral, “El proyeccionista”
  3. Marvin del Cid, “Cacú: un cambio por la vida”

Mejor Actriz

  1. Eva Arias, “En tu piel” (Ganadora)
  2. Cindy Galán, “El proyeccionista”
  3. Carolina Rohana (Miriam miente)

Mejor Actor

  1. Félix Germán, “El proyeccionista” (Ganador)
  2. Josué Guerrero (En tu piel)
  3. Frank Perozo (Miriam miente)

Mejor Guión Película Dominicana de Largometraje Ficción o Documental

  1. “Miriam miente”, Natalia Cabral y Oriol Estrada (Ganadora)
  2. “La isla rota”, Félix Germán
  3. “Cacú: un cambio por la vida”, Marvin del Cid

Mejor Película Dominicana de Largometraje Documental

  1. “Cacú: un cambio por la vida (Ganadora)
  2. “Isla de plástico”
  3. 1984: el otro abril

Mejor Película Extranjera de Largometraje Ficción o Documental

  1. Joker (US) / (Ganadora)
  2. The Irishman (USA)
  3. Dolor y Gloria (España)

Mejor Película Dominicana de Larometraje de la Epoca

  1. “Cocote” (Ganadora)
  2. “Un pasaje de ida”
  3. “Jean Gentil”
  • selección de 183 películas realizadas entre 1988 y 2018, que hayan establecido un parámetro de calidad artística y referencia dentro del panorama cinematográfico local.

Esta 1ra. Entrega de los Premios de la Crítica contaron con el patrocinio de la Dirección General de Cine, la Quincena del Cine, Logomarca, Editora Buho, Misión Films y CTAV.

uncut gems
Críticas

UNCUT GEMS (2019): De los Hermanos Safdie

Por alguna razón me viene el pato Lucas a la mente. Lo imagino agarrando, por equivocación, un cubo de gasolina para tratar de apagar un fuego. Seguido el usual infortunio que siempre acompaña al legendario personaje de la Warner. Ese Howard Ratner (Adam Sandler) que los hermanos Safdie concibieron para Uncut Gems bien podría equipararse al viejo Lucas. Su frenética carrera parece estar condenada al fracaso. Es un tren a punto de salirse de control y en todo ese caos una ilusión de control. Desde la primera secuencia con el alboroto de unos mineros que tratan de socorrer a un compañero accidentado, Benny y Josh Safdie instalan una especie de anarquía narrativa. Aprietan el acelerador a fondo y no sueltan hasta que vemos los créditos finales rodar.

Cannes fue un pedestal para esta pareja que con Good Time (2017) estuvieron nominados a la Palma de Oro y se llevaron el premio al mejor soundtrack. Fue su segundo largometraje de ficción y el que más prensa les generó. Robert Pattinson fue la figura de renombre que encabezó el elenco de ese drama sobre dos hermanos que tratan de eludir a la policía luego de un malogrado robo a un banco. Con la presente se reafirma su peculiar estilo narrativo con más criterio y mejor balance entre forma y fondo.

EL ÓPALO DE WELO

Howard Ratner es un comerciante de joyas en la ciudad de Nueva York. Todo indica que en algún momento las cosas fueron muy bien para Howard pero ahora se encuentra asediado por todas partes y su imperio a punto de desmoronarse. Los cobradores lo hostigan y su matrimonio parece ha llegado a su fin, aún con todo en contra una oportunidad asoma en la forma de una excepcional piedra preciosa. Tras años de negociación finalmente tiene en sus manos un ópalo de Welo que puede ser la solución a todos sus problemas.

Los hermanos Safdie y su colaborador habitual Ronald Bronstein logran un guión que fluye como un thriller pero que posee las líneas más sutiles de los dramas más íntimos. Nos falta el aliento tratando de seguirle el paso a Howard, nos envuelve en su espiral autodestructiva y sólo nos deja  espacio para una suerte de falsa compasión. En otros momentos la sencillez de pequeños detalles nos acerca más al hombre común y corriente que se esconde detrás de los altisonantes discursos. Lo vemos arrastras los contenedores de la basura por orden de su esposa o tratando de mantener una imagen inmaculada justo cuando su hijo descubre su falta. En esas precisiones Uncut Gems desnuda al batallador Howard y lo saca de su caótico ecosistema por un breve instante, una bocanada de aire justo antes de sumergirnos en la infernal vorágine.

uncut gems
Adam Sandler (Google Images)

DULCE AMBICIÓN

La ambición humana no conoce límites. Aquí Adam Sandler se viste de ella y podemos verla, sentirla y hasta imaginamos su aroma. Su interpretación es magistral y sin dudas el punto más alto de su carrera hasta hoy. Durante 2 horas y 15 minutos él es amo y señor y nos mueve a su antojo. La cámara de Darius Khondji (Seven, Amour) lo persigue aportando una sensación de documental. Una marca ya registrada de los directores es el uso del color para acompañar las emociones y ahí la cinematografía se muestra grande y los fotogramas que nos regala son un verdadero espectáculo.

La música también hace las veces de protagonista y los acordes de Daniel Lopatin (The Bling Ring) acrecientan la tensión latiendo al ritmo de Howard y sus emociones. A pesar de siempre estar en la frontera nunca nos llega a saturar pues se adapta a la perfección a la narrativa. Así en el muy particular universo audiovisual de los Safdie nos topamos con un filme de múltiples lecturas, iniciando por la codicia humana. La mirada también se posa en la descomposición social, las familias fracturadas y la moral pisoteada en pro de alcanzar el éxito económico.

Vemos a ese Howard Ratner y nos figuramos a uno de los desventurados personajes de Dassin. En especial pensamos en ese Harry Fabian interpretado por Richard Widmark en Night and the City (1950). Y es que el ADN del film-noir se cuela en la puesta en escena de los Safdie, hasta con su propio estilo de femme fatale con Julia De Fiore (Julia Fox).

Uncut Gems es una película contundente contada con un ritmo único y un fabuloso ejercicio de dirección cinematográfica que se corona con una interpretación de leyenda por parte de Adam Sandler.

10/10

https://www.youtube.com/watch?v=nw1QGomgrOM